사상가를 애도자라고 부르는 이유

슬픔은 예술에 어디에나 있습니다 – 한 큐레이터는 심지어 "생각하는 사람"을 "애도자"라고 불러야 한다고 제안했습니다. Alastair Soke는 그것의 역사를 살펴봅니다.
 
그녀는 자고 있는 것처럼 보입니다. 그녀의 아름다운 이목구비가 한 손에 부드럽게 놓여 있습니다. 하지만, 1633년 플랑드르 예술가인 안토니 반 다이크가 귀족의 미녀 베네티아 스탠리의 모습을 그렸었을 때, 그는 그녀의 임종에 받쳐진 이틀 된 시체를 그리고 있었습니다.
 

예리한 연금술사 딕비가 아내의 죽음을 설계했다는 소문이 끊이지 않고 있습니다.
 

33세의 나이로 밤중에 아내가 갑자기 죽었다는 것을 알고 슬픔에 잠겨 있던 베네티아의 남편 케넬름 딕비 경은 찰스 1세의 궁정 예술가인 반 다이크를 불러 "외과의사와 여자들"이 도착하기 전에 그녀를 그려달라고 요청했습니다.

안토니 반 다이크는  1633 년  Venetia Digby on her Deathbed 를 그렸습니다 .  그녀가 잠든 후 이틀 후 .(Credit: Alamy)

민감하게, 반 다이크는 급속한 사후 경직의 시작과 소름끼치는 죽음의 현실을 무시한 채 일을 시작했습니다. 베네티아의 창백하고 곱슬곱슬한 목을 가로질러, 그는 진주 목걸이를 늘어놓았습니다. 그녀의 시트 자락 위에, 그는 꽃잎을 떨어뜨리며 섬세한 분홍색 장미를 놓았습니다.
 

슬픔과 조각
 

중세 시대와 르네상스 시대 이전의 서양 미술에서의 슬픔은 일반적으로 그리스도의 죽음이라는 비극적인 이야기에 초점을 맞춘 종교 회화와 조각의 보존물이였습니다.
 

새로운 로댕 전시회의 큐레이터는 그의 유명한 사상가가 애도자라고 불려야 한다고 제안했습니다.
 

그의 조각품들 중 유일하게 서명을 새긴 성 베드로 대성당에 있는 미켈란젤로의 심장이 멎는 대리석 ‘피에타’(Fietah)는 예수의 시체를 안고 있는 상냥한 외모를 가진 마리아를 묘사했습니다. 미켈란젤로의 하이 르네상스 시절 친구 세바스티아노 델 피옴보의 작품, 미켈란젤로가 협업한 그림이 마음에 꽂힙니다. 세바스티아노의 '그리스도의 죽음을 비통해하는 성모마리아(c 1512-16)'은 최근 전시된 국립 미술관에 따르면 "역사상 최초의 대규모 야행 풍경"이라고 합니다.
 

성 베드로 대성당에 있는 미켈란젤로의  ‘ 피에타 ’ 는 가톨릭교에서 가장 흔한 이미지의 유명한 버전입니다 .  마리아는 그녀의 아들의 죽음을 슬퍼합니다 . (Credit: Alamy)  

물론, 그리스도의 한탄의 전통적인 주제는 지오토와 만테그나에서부터 루벤스와 렘브란트까지 많은 예술 역사의 가장 유명한 이름들로 묘사되었습니다. 그들은 단지 수 세기 동안 슬픔을 소재로 다룬 수천 명의 예술가들 중 일부일 뿐입니다. 어떤 형태로든 말이죠. 대영 박물관의 새로운 로댕 전시의 큐레이터는 최근 프랑스인의 유명한 조각품 생각하는 사람을 정말로 '애도자'라고 불러야 한다고 제안하면서 헤드라인을 장식했습니다. "손과 턱을 주의 깊게 보세요," 로댕에게 중요한 영향을 미치는 고대 그리스 미술의 권위자인 이안 젠킨스는 일요일 신문에서 말했다. "그가 생각하고 있었다면, 그의 손은 턱을 감싸고 있었을 것입니다. 그런데 이 조각에서는 손이 턱을 받치고 있습니다. 그리고 고대 그리스에서는 이렇게 애도가 묘사 된 방법입니다.“

1880 년 아놀드 뵈클린의 유화 온 우드 그림  ' 죽음의 섬 ' 은 그리스 신화에 그렸으며 ,  같은 이름의 자크 투르뇌 공포 영화에 영감을 주었습니다 .(Credit: Alamy)  

국제 박물관의 온라인 검색 엔진에 '비탄'이라는 단어를 입력하면 결과가 쇄도하게 됩니다. 예를 들어, 영국에서는 테이트의 웹사이트에서 이 용어를 검색하면 143개의 예술작품에 깃발을 꽂아 같은 주제에 대한 예술적 반응의 다양한 단면을 제공하게 되는데, 이는 다른 기간에 걸친 것입니다.


모델 엘리자베스 시달(Elizabeth Siddal)을 그린 존 에버렛 밀레이의 꼼꼼한 유화 오필리아(Ophelia)는 슬픔을 시각적으로 표현한 유명한 표현입니다.
 

예를 들어, 18세기에, 예술가들이 세익스피어 드라마의 렌즈를 통해 슬픔을 보는 것은 흔한 일이었습니다. 리어 왕의 딸 코델리아의 죽음은 가장 좋아하는 주제였습니다. 한편, 19세기에 모델 엘리자베스 시달(Elizabet Siddal)이 4개월에 걸쳐 목욕탕에서 포즈를 취했고 존 에버렛 밀레이의 꼼꼼한 유화 ‘오필리아’(1851-52)는 마치 스위스 화가 아놀드 뵈클린의 걸작과 같은 강력한 감정의 아이콘처럼 찬탄의, 그리고 매우 시적이고 시각적인 표현입니다.880년대, 죽음의 섬입니다. 오필리아는 셰익스피어의 햄릿에서 온 덴마크 귀족의 모습을 묘사하고 있는데, 그녀가 익사하여 죽기 직전, 그녀가 "물 내리는 시냇물"에 빠진 후, 살해된 아버지에 대한 슬픔에 사로잡혀 있습니다.

대영 박물관의 이안 젠킨스는 로댕의 생각하는 사람은 닫힌 주먹에 턱을 괴고 있기 때문에 애도가라고 불려야 한다고 생각한다고 말했습니다 .(Credit: Alamy)

사실, 슬픔은 복합적인 "애도의 문화"가 지배했던 빅토리아 시대에 예술가들에게 필수적인 주제였어요. 미술사학자 나이젤 르웰린은 죽음의 예술에 쓴 글에서 "죽음의 화려한 시각 문화"는 19세기의 특징이라고 지적합니다.

20세기 예술가들은 그들의 빅토리아 시대의 선조들이 슬픔을 이겨내야 하는 것처럼 강요를 느꼈다고 합니다. 가장 위대한 예는 피카소의 '울고 있는 여인'(1937년)으로, 같은 해의 그의 서사시 벽화 게르니카와 관련이 있는 것으로, 스페인 내전 당시 독일 공군의 바스크 마을 폭격에 대응하여 그린 작품입니다. 분노하고 비극적인 걸작인 게르니카는 만행의 뉴스레터를 연상시키는 냉철한 단색 팔레트로 처형된 20세기의 결정적인 집단적 슬픔의 표현입니다.
 

캔버스에 카타르시스
 

만인의 슬픔은 또한 세계 1차 대전 동안 그리고 20-30년대까지 애도 문화를 탐험하는 테이트 브리튼에서 곧 열릴 전시회인 후폭풍의 핵심에 있습니다. 전시의 큐레이터인 Emma Chambers는 19세기가 멀어져 가면서, 전쟁이 예술가들이 슬픔을 묘사하는 방식에 심오한 변화를 가져왔다고 주장합니다. "개개의 가족들이 개인적인 슬픔을 경험했던 빅토리아 시대의 애도와는 달리, 유럽 전역의 거의 모든 가족들이 영향을 받았다"라고 말합니다.

밀레이의 오필리아는 죽기 직전의 사람을 가장 잘 묘사하는 예술 작품 중 하나다 . (Credit: Getty Images)

그녀는 이 일의 결과 중 하나는 "상복을 위한 적절한 시각적 문화를 창조하기 위한" 정부측의 공식적인 시도이다. 빅토리아 시대 사람들에게 그렇게 사랑받는 고전적이고 우화적인 장례식 유행에서 벗어났습니다. 그들의 자리에서는 영연방 전쟁 묘지 위원회와 같은 시체들이 개인들의 손실보다는 공동, 국가적 희생에 초점을 맞추어 무덤과 전쟁 기념물 디자인에 더 획일적인 접근을 장려했습니다. 체임버스는 "그 결과는 매우 질서정연하고 대칭적이며 통제된 시각적 언어였다"며 " 버려진 헬멧, 몸체, 뒤엉킨 진흙으로 전쟁터의 총체적 혼란과는 거리가 멀었다"고 말했다.
 





출처::BBC
원글::https://www.bbc.com/culture/article/20180623-how-to-turn-tragedy-into-art-why-depicting-grief-is-hard
에디터::이지혜
스케치북 바로가기↓

http://mysketchbook.co.kr/bbs/board.php?bo_table=gallery01&wr_id=322